limatesa y limahoya: Actualidad

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martes, 24 de marzo de 2015

La Fundación Louis Vuitton. Tanto si eres fan de Gehry como si no

En general tengo la sensación de que Frank Gehry o mejor dicho, su arquitectura, no es de lo más popular entre la comunidad de arquitectos aunque hay que reconocer que siempre da que hablar. Normalmente hay dos vertientes, o te gusta o no te gusta, o blanco o negro, pero no hay término medio.

Aunque con cierto recelo, al final fui a visitar el edificio de la Fundación Louis Vuitton en París, uno de sus últimos proyectos, ya construido e inaugurado, y he de reconocer que no me decepcionó.

Es un edificio sin contexto físico estricto ya que está en medio de un parque, algo poco habitual cuando hablamos de París. Esta peculiaridad añadida al elevado presupuesto del que se disponía más al hecho de que Gehry fuera el arquitecto elegido por la firma, han dado como resultado evidente una especie de mineral esculpido en mitad del bosque de Boulogne a modo de joya gigante.

A parte de lo que el edificio y su arquitectura representan hay algunos detalles que como arquitecto disfruté durante la visita.

La locura estructural, por ejemplo, me hizo recordar la típica frase de que la estructura es el ornamento de nuestra época. Me gusta imaginar la sonrisa pícara de Gehry o de cualquiera de su equipo que hubiera estado a cargo del diseño en sus primeros momentos. Me los imagino con una hoja en blanco y un rotulador negro mirando a ambos lados como un niño travieso antes de dibujar las primeras curvas de un boceto que después será transformado cientos de veces hasta tomar la forma que finalmente vemos hoy en día.

También disfruté de la riqueza de los materiales. La madera es madera, la piedra es piedra, el metal es metal. No hay, o por lo menos yo no los vi, acabados en materiales plásticos con imitación de textura de madera o piedra. Cuando te acercas para admirar los detalles constructivos de grandes edificios te sueles llevar una decepción al ver borbotones de silicona que desbordan por cada junta. Sin embargo en la Fundación Louis Vuitton no me llevé esa impresión.

Lo dicho, hay ciertas cosas que uno puede disfrutar de un edificio hecho bajo las premisas citadas anteriormente, seas o no fan de la arquitectura de Gehry.

Aquí os dejo un par de enlaces:

- Más fotos e información sobre el edificio en Plataforma Arquitectura.

- Página web oficial de la Fundation Louis Vuitton.

Carmen Valtierra de Luis (@Carmen_Valti - @Limahoya)

martes, 16 de diciembre de 2014

Contraste: el edificio de Nouvel y el pabellón temporal de KILO

Según la RAE, pabellón es el edificio que constituye una dependencia de otro mayor, inmediato o próximo a aquel. Este es el caso del pabellón temporal creado por el estudio de arquitectura KILO en la plaza pública frente al Instituto del Mundo Árabe de Jean Nouvel en París.

El pabellón se enfrenta al espacio público como contraste con lo existente. Contraste en su forma. Se trata de unas formas curvas, orgánicas, con ángulos agudos apuntando al cielo que, en definitiva, nada tienen que ver con la forma cúbica y ortogonal del edificio de Jean Nouvel, cuya fachada sigue una cuadrícula regular totalmente ordenada y racional. Contraste en cuanto a materiales. El pabellón está hecho a base de tiras de piel de camello cosidas entre sí, mientras que el edificio destaca por su fachada de vidrio con la característica celosía metálica. Contraste de colores. Contraste incluso en cómo los materiales se comportan bajo la misma luz.

Lo mejor es ver las imágenes que hablan por si solas.

El problema que veo en esto que llamamos arquitectura efímera es que al final las instalaciones suelen quedar excluidas en el diseño del susodicho pabellón lo cual nos lleva a tener que crear un "pabelloncito" para el pabellón principal donde metemos los baños y "todo aquello que molesta". En el caso de la obra de KILO los aseos y la pequeña cocina que da servicio a la cafetería instalada dentro del pabellón, están agrupados en otro volumen situado a unos metros de distancia que podéis ver haciendo clic aquí. Es un "sub-pabellón" blanco con forma de prisma que camufla unos clásicos containers.

Al parecer la regla del diseño consiste en: lo que no sepas cómo solucionar en tu edificio o pabellón, lo agrupas y creas otro pabellón de menor tamaño que de servicio al primero y así sucesivamente hasta que "das solución" a todos los problemas arquitectónicos de esta arquitectura efímera.

Carmen Valtierra de Luis (@Carmen_Valti - @Limahoya)

jueves, 4 de diciembre de 2014

Palais de Tokyo, museo de arte contemporáneo.

El Palais de Tokyo es un edificio inaugurado en 1937 para la Exposición internacional de París. el proyecto de renovación y restauración fue llevado a cabo por el estudio de arquitectura Lacaton & Vassal, uno de los estudios más prestigiosos del panorama arquitectónico francés de hoy en día. El proyecto data de 2012 y podéis ver más información e imágenes en la página web de los arquitectos haciendo clic aquí. Personalmente el proyecto de Lacaton & Vassal me parece loable.

En cuanto al contenido, el Palais de Tokyo es un museo que no tiene una colección permanente, excepto la pieza de Henrique Oliveira que aparece descrita como "colección temporal de duración indeterminada". Un acierto.

Por lo demás y como en todo museo o exposición de arte contemporáneo sigo la regla del 20/80, 20% merece la pena 80% es basura. Evidentemente la regla 20/80 es subjetiva y puede que me equivoque totalmente al agrupar las obras de una manera tan drástica pero como en el arte contemporáneo carecemos de criterio necesito fiarme de mi intuición a pesar del posible error que puedo cometer al descartar la mayoría de la muestra.

La exposición que tiene lugar ahora mismo en el Palais de Tokyo se titula Inside. Os dejo aquí algunas imágenes de una pequeña parte del 20% que, en mi opinión, merece la pena.

Esta obra que parece una gran tela de araña a escala humana pertenece a Numen / For Use. Está situada en el vestíbulo de recepción, a la entrada del museo, así que sin duda obtiene toda la atención del público.

A continuación os dejo dos imágenes de dos esculturas de Ryan Gander. ¿Adivináis el material con el que están hechas? el autor crea una intriga tal en el espectador que éste no puede evitar el deseo de tocar la escultura para levantar la sábana (a pesar de que no se permite tocar las obras) incluso aunque sepas de antemano que las esculturas están esculpidas en mármol. No hay sábana, lo que veis es piedra.

La imagen de aquí abajo no refleja la experiencia del observador. Perdonad por la calidad de la foto pero aunque os hubiera traído la mejor de las calidades, una imagen no puede mostrar la experiencia espacial y sensorial de esta obra. Se trata de un refugio construido en madera donde llueve en el interior. Normalmente vemos la lluvia mojando la calle desde el interior de nuestras casas y me pareció curioso el cambiar el punto de vista y percibir la lluvia desde el exterior. La instalación es obra de Stéphane Thidet.

Los museos se están convirtiendo cada vez más en parques de atracciones para satisfacer a un público ávido de experiencias sensoriales. Yo creo que ese sentimiento de admiración o de éxtasis producido al contemplar una obra (muy bien descrito por Ernst Gombrich y puesto a prueba gracias al arte dadaísta) no debería depender siempre de un estímulo externo sino de la voluntad del observador. Sin embargo hoy en día el espectador está más acostumbrado a sentarse y recibir que a observar y pensar.

Para más información:

- Palais de Tokyo Expansion / Lacaton & Vassal

- Climb Inside Numen/For Use’s Membrane of Packing Tape at Palais de Tokyo in Paris

Carmen Valtierra de Luis (@Carmen_Valti - @Limahoya)

miércoles, 12 de noviembre de 2014

La Tour Triangle, un rascacielos "no pero sí"

El pasado 31 de Octubre estuvo Jacques Herzog presentando, o más bien defendiendo, su proyecto de La Tour Triangle en el Pabellón del Arsenal, París.

La sala estaba a rebosar y a pesar de la ronda de preguntas protagonizada por el colectivo en contra de la Tour Triangle J. Herzog argumentó el proyecto como buenamente pudo y consiguió salir airoso. La Tour Triangle presenta sus dudas pero personalmente le doy un voto de confianza, ¿por qué? por tratarse de Herzog & De Meuron. Si fuera otro estudio quizás tuviera una opinión más reservada.

En cambio he de decir que lo que estropea el discurso intelectual de estos arquitectos es el marketing fácil de querer vender el proyecto a los profanos en la materia usando como recurso la analogía o similitud formal con imágenes o símbolos reconocibles. En mi opinión Herzog sobreexplotó el uso de imágenes con referencias triangulares (por ejemplo la pirámide del Museo del Louvre), y eso le quita fuerza a su discurso arquitectónico.

La Tour Triangle pertenece al grupo de rascacielos que he denominado como los rascacielos no pero sí, es decir, edificios que no son rascacielos pero que sí lo son. Son edificios torre que siguen una tipología formal con una distribución de programa peculiar que difiere de la forma clásica de un rascacielos convencional. Este grupo está presidido por el edificio de la CCTV de OMA.

Aquí os dejo una serie de fotografías de las maquetas expuestas en la exposición en le Pabellón del Arsenal que acompañó a la conferencia de Herzog & de Meuron.

Carmen Valtierra de Luis (@Carmen_Valti - @Limahoya)

martes, 20 de mayo de 2014

El acierto del proyecto de renovación del Rijksmuseum

Después de 12 años cerrado al público, el Rijksmuseum por fin abrió sus puertas de nuevo el pasado año 2013. Hasta entonces tan sólo se podía visitar el 20% de su contenido.

La primera vez que me topé con el proyecto de renovación del Rijksmuseum llevado a cabo por Cruz y Ortiz, fue en una conferencia en la universidad cuando aún era estudiante. Lo que más me atrajo del proyecto fue su relación con el espacio público gracias al pasaje en planta baja que atraviesa el edificio. Ya por aquel entonces Cruz y Ortiz explicaron que estaba siendo una pesadilla luchar por que les dejaran reabrir dicho pasaje. En el pasado ya existía pero debido a la reglamentación especial de seguridad del museo fue especialmente difícil reincorporarlo en el proyecto de renovación.

Así lo describen los arquitectos en su página web:

"[...] Un pasaje, prácticamente una calle, atraviesa el edificio de norte a sur dividiéndolo en dos partes, obligando a tener dos entradas, dos escaleras principales y ocasionando que sólo en planta principal se encuentren conectadas las zonas este y oeste en que el edificio queda dividido en sus plantas de semisótano y baja.

[...] La intervención sobre el edificio consiste, por un lado, en realizar una nueva y única entrada al museo a través del pasaje, con la dificultad añadida de conservar el paso público de bicicletas, y por otro, en liberar los patios recuperando hasta cierto punto su estado original.

Una escalera abierta a la entrada del pasaje trasladará al visitante a un gran hall central situado por debajo del nivel de la calle, que unirá las alas este y oeste del edificio."

En mi humilde opinión es uno de los mayores aciertos del proyecto.

Hace poco he tenido la oportunidad de visitar el edificio de nuevo y de poder ver con mis propios ojos el proyecto terminado.

Al más puro estilo haussmaniano, el pasaje conecta dos zonas de la ciudad permitiendo la continuación de uno de los ejes más característicos de Amsterdam.

Fuente: www.cruzyortiz.com

viernes, 18 de abril de 2014

Hackear la ciudad a pequeña escala

Antes de nada conviene definir el término hackear. Podéis encontrar una buena explicación en Wikipedia pero personalmente me quedo con la definición que he encontrado en la web El correo de las Indias:

"Hackear es utilizar el conocimiento que tenemos sobre un sistema de cualquier tipo para desarrollar funcionalidades para las que no había sido diseñado originalmente o hacerle funcionar de acuerdo con nuevos objetivos."

El término proviene del mundo de la informática pero actualmente se ha extrapolado a cualquier tipo de sistema.

La siguiente historia está basada en una experiencia personal. Sucede en el paso para peatones de una calle principal con bastante tráfico rodado. Para que los peatones puedan cruzar la calle hay un semáforo regulado con un botón que al pulsarlo cambia la luz a color rojo y detiene el tráfico rodado. Cuando alguien pulsa el botón, el semáforo tarda entre 10 o 20 segundos en detener el tráfico. La calle tiene una longitud considerable. La cruzan otras calles perpendiculares pero sin rotondas, es decir, que a lo largo de la calle principal hay bastantes semáforos que interrumpen el tráfico de los vehículos.

Al principio, cuando comencé a usar esa ruta y tenía que cruzar por ese paso de peatones varias veces al día, me di cuenta de que había personas que no pulsaban el botón pero que esperaban para poder cruzar la calle. Pensé que no sabían que había un botón que debían pulsar para que el semáforo se pusiera en verde y así poder cruzar. Aunque siempre llegaba alguien que conocía de la existencia del botón, lo pulsaba y así todos podían cruzar igualmente.

Este paso de peatones existe porque justo al lado hay una estación de tranvía. El semáforo está regulado por un botón porque así la interrupción del tráfico rodado se limitará, principalmente, a la frecuencia con la que pase el tranvía por esa estación. De este modo se minimiza la interrupción de la marcha de los vehículos. Pero qué pasa con las personas que esporádicamente pasan por allí y también desean cruzar la calle. Sencillamente pulsan el botón y cruzan. Hasta aquí todo es normal. El sistema está bien pensado.

En términos de eficiencia en el sistema, parar el tráfico para que crucen 20 personas es más eficiente que parar el tráfico para que cruce una sola persona. Pero aún así hay que permitir que esa persona cruce la calle.

El máximo consumo energético de un vehículo se produce cuando éste tiene que frenar, detenerse y volver a reanudar la marcha. Esto multiplicado por 5-10 vehículos es lo que ocurre cada vez que alguien pulsa el botón de ese semáforo.

Al principio, cuando yo cruzaba la calle pulsaba el botón por inercia, sin pensarlo. Después de un tiempo comencé a observar y a darme cuenta de que cuando no era hora punta de máximo tráfico y sólo estaba yo esperando para cruzar la calle, en vez de pulsar el botón y detener forzosamente a los vehículos, simplemente podía esperar unos segundos más hasta que el grupo de coches hubiera pasado y así pudiera cruzar yo.

En el sistema urbano, a veces seguimos normas sin preguntarnos por qué. Cruzar en rojo está "mal". Al hacerlo soy consciente de ello pero ya os he explicado mi por qué.

Me gusta pensar que algunas de las personas que mencionaba al principio de la historia, las que no pulsaban el botón para cruzar, no lo hacían por ignorancia o desconocimiento como yo creía, sino que lo hacían por la misma razón que yo o simplemente por empatía hacia los conductores aburridos de tener que frenar y parar cada 200 metros.

Hay personas que conocen el sistema urbano y en vez de seguirlo a ciegas encuentran caminos para mejorarlo. A eso es a lo que llamo "hackear la ciudad a pequeña escala".

Os invito a visitar la web de Fabrique Hacktion donde encontrareis algunos ejemplos de lo que para mí significa hackear el sistema urbano. Me ha llamado especialmente la atención el proyecto nº10 Ticket-ticket-ticket. Se trata de un modo de dar un segundo uso a los tickets del transporte público que funcionan por horas/días para que así, mientras esos tickets siguen activos, puedan ser reutilizarlos por otras personas cuando el usuario inicial decida prescindir de ellos.

Recuerdo que cuando se introdujo la OTA, en mi ciudad era normal encontrar a alguien a quien "le sobraban unos minutos del ticket" y te lo cedía con una sonrisa. En todo caso, antes de tirarlo a la basura siempre será mejor dárselo a alguien, ¿no?

Carmen Valtierra de Luis (@Limahoya - @Carmen_Valti)

Nota: Os recomiendo leer El arte de hackear la ciudad un post de ÁRTICA.

jueves, 10 de abril de 2014

Ordenadores como fuente de calor doméstico

No suelo escribir sobre tecnología pero esta semana he encontrado una noticia muy interesante desde el punto de vista energético y no he podido resistir las ganas de compartilo en 'Limatesa y Limahoya'. Se trata de una startup francesa, Qarnot Computing, que ha creado un sistema para aprovechar el calor generado por el procesador de los ordenadores cuando estos trabajan a máximo rendimiento.

Si alguna vez habéis usado vuestro propio ordenador para realizar algún proceso que necesita de cierta potencia como por ejemplo renderizar una imagen o un vídeo, os habréis dado cuenta del aumento de temperatura que dicho proceso supone para el hardware. Recuerdo que algunos amigos lo usaban para derretir el chocolate de sus galletas preferidas, otros simplemente poníamos nuestra taza de café cerca para que se conservara caliente por más tiempo. Ahora imaginad esta situación pero en una oficina con 20 ordenadores. Cuando los ordenadores están trabajando al máximo rendimiento aumentan la temperatura del local. En invierno esto es algo positivo ya que supone un ahorro para el sistema de calefacción.

Para que ese calor generado por los ordenadores sea significativo se necesitan procesadores potentes que estén trabajando constantemente y eso es algo que normalmente no tenemos en nuestras casas. Sin embargo pensad por ejemplo en Pixar. Para crear tan solo un segundo de película necesitan entre 3000-5000 ordenadores (render farm). No hagáis mucho caso a las cifras, lo que quiero decir es que en verdad hablamos de una cantidad importante de calor generado y desaprovechado. Bueno, pues lo que Qarnot Computing ha hecho es crear un sistema descentralizado para aprovechar ese calor.

Los procesadores de dichos ordenadores no tienen necesariamente que estar en el mismo recinto. De este modo, al tratarse de un sistema descentralizado, algunos de esos 3000-5000 ordenadores que en este caso necesitaría Pixar, formarían parte de nuestro sistema de calefacción mientras que el resto se encontrarían en otras viviendas y así hasta sumar el total de ordenadores necesarios para realizar el renderizado de una película. Si estamos en verano y yo no necesitaría calefactar mi vivienda apagaría el sistema y por lo tanto esos ordenadores no funcionarían. Sin embarlo, al ser un sistema descentralizado se pondrían a trabajar los ordenadores situados en las viviendas en la otra parte del planeta en donde sería invierno.

Fuente: www.qarnot-computing.com

Para los que estéis interesados os recomiendo leer el apartado de preguntas frecuentes [inglés o francés] de la web de Qarnot Computing.

Carmen Valtierra de Luis (@Carmen_Valti - @Limahoya)

domingo, 16 de marzo de 2014

Del Experimento a la Crítica de Arquitectura

Hoy volvemos con Gombrich pero esta vez para preguntarnos acerca de la crítica en la arquitectura.

En Experimento y experiencia en el arte*, Gombrich define experimento como “intento de encontrar alternativas más eficaces, más adecuadas para alcanzar el objetivo deseado”. Esta definición me encanta debido a que enfatiza el carácter subjetivo de un proceso de investigación científico, es decir, que pone de manifiesto que ante un experimento el objetivo es pensado a priori por el investigador; elegimos lo que queremos demostrar.

Dicho esto, y aplicando el proceso de experimentación al ámbito del arte, nos damos cuenta de que el artista también experimenta. Usa el procedimiento por tanteo. Sin embargo, el artista necesita completar este procedimiento con la autocrítica, donde pretende encontrar un efecto psicológico, a diferencia del científico que intenta encontrar una proposición verdadera.

Además del procedimiento por tanteo y de la autocrítica, otro procedimiento es la realimentación negativa o aproximarse a una meta mediante la eliminación de errores.

Gombrich concluye en éste texto diciendo que a causa de la falta de criterios -ya que el arte no es ciencia sino que es un gusto adquirido- se ha perdido el valor de las críticas de arte, en parte por esa sugestibilidad.

Últimamente me pregunto mucho acerca de la crítica contemporánea de arquitectura y la crítica de arquitectura contemporánea. ¿Dónde está la crítica? ¿Cuál es su objetivo? ¿A caso hay crítica? Gombrich estaba en lo cierto, como consecuencia de esa sugestibilidad, la crítica de hoy en día se está convirtiendo en un "me gusta" de Facebook o en un "RT" de Twitter.

Lo que diferencia a la Arquitectura del Arte es su componente técnica, operacional y de gestión. Y por ello, en mi opinión, es por ahí por donde debería tirar la crítica actual.

Como "breve" resumen del panorama actual de la crítica de arquitectura de hoy en día os dejo esta conferencia de Fredy Massad para ARA Arquitectura en septiembre del 2013 (comienza a partir del minuto 4:25 en castellano):

*Experiemento y experiencia en el arte es uno de los capítulos de "La Imagen y el Ojo, nuevos estudios sobre la psicología de la representación pictórica" de E. H. Gombrich.

Carmen Valtierra de Luis (@Carmen_Valti - @Limahoya)

sábado, 10 de agosto de 2013

Vieux Port en Marsella, por Foster & Partners

El pabellón del Vieux Port en Marsella es obra de Foster & Partners. Se realizó con motivo de la celebración del nombramiento de Marsella como Capital Europea de la Cultura 2013.

El proyecto exigía la revitalización de esa parte de la ciudad, el Vieux Port (Puerto Viejo) que había quedado sin un uso concreto al estar contenida entre la carretera y los muelles del puerto. De este modo se ha recuperado el espacio público y vuelve a haber actividad.

Situar un espejo en un espacio público como punto de atracción nunca falla. En general a la gente le gustan los espejos y se siente atraída por ellos. Sin duda, los reflejos del sol, del mar, de la gente caminando crean un espacio peculiar.

El pabellón consiste en 8 esbeltos pilares que sostienen una cubierta de acero inoxidable pulido de 46 por 22 metros. Tengo curiosidad sobre qué hay en la cubierta. Es un secreto guardado por los habitantes de las viviendas contiguas. En Google Maps aún no se puede ver el proyecto construido así que sigo con la incógnita de qué es lo que pasa por ahí arriba. Me gustaría poder ver un detalle constructivo pero los planos ni si quiera están publicados en la web de Foster & Partners.

Los acabados son limpios, apenas de aprecian las juntas entre las distintas placas de acero de la cubierta. La unión de los pilares es pulcra, no se aprecian tornillos ni soldaduras ni pletinas. El canto de la cubierta es mínimo desde cualquier punto de vista a cota de peatón. Incluso la pavimentación de granito está hecha con esmero.

Parece una joya reluciente... y probablemente lo sea porque una construcción como ésta requiere de un alto presupuesto.

domingo, 24 de marzo de 2013

Todo empezó con OMA y Prada

Me dije a mí misma que no iba a escribir sobre moda en un blog que trata sobre arquitectura pero en mi favor diré que todo está relacionado.

Nunca me han llamado especialmente la atención los desfiles de moda quizás porque no soy ducha en la materia, pero últimamente, a raíz de haber estudiado con mayor atención algunos proyectos de ciertos estudios de arquitectura, me he dado cuenta de que es un mundo por explorar al que aún accedo con demasiados prejuicios.

Todo empezó con OMA y Prada.

Por casualidad me encontré con este vídeo sobre la colección de Prada para Invierno-2012. Estaba buscando información sobre el proyecto porque había leído que la enorme alfombra roja había sido diseñada por OMA. Resulta que OMA no sólo había diseñado la alfombra sino el espacio en su conjunto así que me puse a ver el vídeo para fijarme en el proyecto y al final acabé cautivada por el diseño de la colección en su conjunto.

El espacio, la música, los colores, la ropa, los modelos, todo. Cada vez que lo veo no puedo evitar que inumerables referencias del constructivismo ruso se me vengan a la mente. Creo que el modo en que la escenografía está diseñada así como la ejecución del desfile recuerdan claramente a la estética militar empleada munas veces en películas retrofuturistas.

La puesta en escena es bastante brillante. Nada más comenzar el desfile las luminarias captan la atención hasta que finalmente se encienden. La música es repetitiva y con el cambio intermitente de melodía crea un contraste que se repite de manera constante a lo largo de desfile. Los colores de la alfombra no podían haber sido más apropiados; rojo, negro y blanco.

En cuanto al proyecto aquí os traduzco lo que dice su página web:

El público se distribuye a lo largo del perímetro de la sala. El espacio central está ocupado por una gran alfombra de 20x35 metros, un mosaico rojo, blanco y negro de diferentes tejidos con un estampado geométrico de una flor negra inspirado en alfombras de diseños modernistas.

El escenario está iluminado por seis monumentales lámparas de araña compuestas por 300 tubos de neón. Todo ello junto con la alfombra evoca la grandeza de un palacio. El público se sienta en la oscuridad, presenciando el espectáculo del desfile donde los modelos caminan de forma ordenada cruzando la alfombra como siguiendo un código secreto.

Para la colección Prada Otoño/Invierno 2012, AMO proyecta el futuro de la moda como un pasado actualizado. Implantado dentro de una sociedad distópica de máquinas y geometrías puntiagudas, clones genéticamente perfectos que vagan por colonias digitales. Cada escenario representa un paisaje anticuado con una galaxia de personajes ensimismados en oblicuas y posiblemente desviadas dinámicas de poder.

Vale, el último párrafo pone en evidencia el lenguaje arquitectónico abstracto que a veces usamos los arquitectos para explicar cosas de manera poco inteligible. Al margen de eso y a modo de resumen diré que según lo que yo entiendo hay referencias retrofuturistas de sociedades propias de la ciencia ficción al más puro estilo de Aldous Huxley. Para corroborar mi punto de vista apareció en escena (y en primer plano) el actor Gary Oldman, desfilando con una expresión facial y una actitud que encaja perfectamente en el contexto. Con ello no pude evitar rememorar su papel en "El quinto elemento".

Por si la relación entre la arquitectura y el mundo de la pasarela no quedaba clara en esta entrada aquí os dejo otros proyectos de OMA como "furniture for knoll unveiled at men's prada show" y un listado extraído de su página web.

Además de la relación entre OMA y Prada también tenemos otras parejas como Zaha Hadid y Channel, Sanaa y Dior, Herzog&deMeuron y Prada, OMA y Miu Miu, Tadao Ando y Armani... y la lista suma y sigue.

miércoles, 20 de marzo de 2013

Plaza Mayor de Almazán por CH+QS

Hace pocos días, concretamente el 8 de Marzo del 2013, estuve en Almazán, Soria, visitando este proyecto de CH+QS Arquitectos. Se trata de la remodelación de la Plaza Mayor de Almazán. El proyecto me pareció meritorio de una entrada en el blog así que aquí os lo dejo con algunas fotos para que juzguéis por vosotros mismos.

Personalmente me llamaron la atención los detalles y los acabados. Es un proyecto de los que yo llamo "dibujados". El trabajo que se ha dedicado al despiece del pavimento se nota incluso en el modo de colocar las teselas. El encuentro entre las piezas de madera está pensado para encajar minuciosamente. Las juntas parecen dibujadas en Autocad debido a la precisión que se aprecia en los acabados.

Como todos los proyectos tendrá sus más y sus menos pero desde luego en éste es loable el diseño del detalle y la elección de los materiales. ¡Ah! Y el proyecto de iluminación que lo acompaña... sin duda merecería un premio.

Lo dicho, disfrutad de las imágenes.